蔡政旻新闻资料 | NewsCove

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在光影中捕捉凝视的瞬间

8月中，蔡政旻受邀参与2025年吉隆坡摄影节，并以“凝视的瞬间”为主题进行讲座，与观众分享自己的摄影历程。他认为，多数人理解的凝视瞬间指的是摄影师按下快门的刹那，但他更关注观者的凝视，也就是观众如何看待和解读这张照片。 “摄影的价值不只在于按下快门的那一刻，而在于观看者如何理解、诠释和感受照片。”于他而言，这才是影像教育的意义。报道：本刊刘紫晴摄影：本报黄玲玲部分照片由受访者提供蔡政旻现为台湾艺术大学视觉传达设计系副教授，至今已教学近20年，他始终专注于影像教育。从1993年开始接触摄影，直到2006年正式任教后，他才真正意识到会拍不代表会教。“进入学校后我才发现，要让学生理解并能自己去拍是一种挑战。”他在教学初期不断修改课程内容，从构图、光线到色彩，一步步转化成学生能理解的影像语言。学生必须多拍，亲身操作后才能体会构图和光影的关系。他强调黑白摄影的重要性，因为黑白能让学生专注在光影层次上，不被色彩干扰。等学生掌握了光影，再进入色彩训练。 “如果让他们同时处理光影、色彩、构图、主题，拍出来会乱成一团，所以要循序渐进，让他们先掌握单一要素。” 蔡政旻认为摄影不同于绘画，拍摄者必须身在现场才能拍到想要的画面。因此他经常带学生外拍，让他们感受阳光、阴影、反射与天气变化带来的光线差异。若遇上阴天，他就教学生如何利用天空的柔光来拍摄；若是晴天，则训练他们掌握强光下的影调和对比。学生在大一和大二的课程兼顾艺术摄影和商业摄影的基础训练，大三时根据各自的兴趣再进一步引导。对于喜欢艺术创作的学生，他会安排影像叙事与美学思考课程；而对于偏好商业摄影的学生，则会强化棚内打光、产品展示和视觉沟通训练。 “摄影教育最重要的是帮助学生找到适性的发展。”他认为，导师须扮演引路人的角色，让学生通过实践逐渐辨识自己的发展方向。照片里的艺术与审美感谈到如何鉴赏影像时，蔡政旻从审美性和艺术性两个角度出发。“有些商业摄影，如拍摄美食，追求的是让人看了想吃，那是审美；艺术性就是它背后有一些艺术学理的概念，用学理基础来诠释。”他解释，艺术性往往更强调创作者的思想和表达，便举了街头摄影作为例子。他认为街头摄影更贴近真实，因为它不是摆拍，而是透过摄影师的观察所得。“街头摄影的本质是观察，观察人、观察社会，捕捉生活的真实。” 很多人误以为街头摄影就是背着相机去街头走一走拍一拍，但有人会在一个地方待半小时，有人点杯咖啡坐两个小时，就为了观察隔壁桌的动作、走过的人、花草、车子的停留。因此，街头摄影的更高境界是观察，还有文化的体现，要让人看得出它在拍什么，还能从中衍生出意涵。那如何培养学生的审美能力与创作思维？蔡政旻说：“我会让学生理解审美性是包含在艺术性之下。一张有艺术性的照片，一定要有审美性，但有审美性不一定就有艺术性。”他提到，如果拍摄时根据美的形式原理如渐变、反复、统一、比例和光影的构成，让画面看起来舒服、有节奏，那就是审美性，但是否能达到艺术性，还要看创作者的自我表达。审美感的培养须建立在大量练习和观察之上，因此他要求学生从最基础的水平线练起，拍海平面、建筑物和光影层次，先掌握画面的平衡和秩序，再谈艺术性。艺术性建立在审美感的基础上，摄影师拍得越久，就会形塑个人风格和系列感。例如，美国摄影师安塞尔．亚当斯（Ansel Adams）和中国摄影家郎静山的作品，前者透过长年拍摄美国峡谷，形成强烈识别性；后者兼具摄影和绘画功底，作品兼具艺术性与形式美感。“艺术性最终一定会形成个人风格，当观众一眼就能看出那是谁的作品，那就是艺术性的体现。” 美学除了好看还要能被观者理解他在教学中会引导学生从“描述”和“诠释”两个面向来阅读照片。描述只是指出画面中的人事时地物；诠释则需要文化知识、生活经验与情感连结的支撑。一张照片能被看懂，需要观者投入自己的文化背景去理解，摄影师要能诠释自己的作品，观者也要能诠释其中意义。他提到法国文学家罗兰．巴特（Roland Barthes）在经典著作《明室》中“知面”（Studium）和“刺点”（Punctum）概念。前者是观者基于知识和文化背景所理解的表层意义，后者则是照片触动人心的瞬间。“当你在看一张照片时，感觉心被刺到，那是一种感动，也是一种与照片产生联结的时刻。” 他以自己在印度拍摄的火车照为例，那张照片里没有冷气和玻璃窗的在地列车，勾起他童年在台湾搭乘老式火车的记忆。“每个窗框都有故事，我拍下的不只是印度的火车。”他希望观者能从照片里感受到时代变迁和整个城市的文化，而不只是停留在车厢和乘客的外观。另一张作品拍摄于梵蒂冈。他站在教堂中等待人群散去，意外捕捉到一位修女背对光线走向前方的画面。阳光从十字形的窗洞洒落，形成象征性的“圣光”。“那是偶然的瞬间，却成为照片的灵魂。她背对着我，朝着光走去，让人留下遐想。” 在他看来，这种偶然中的意象正体现了影像的力量，摄影师拍摄当下未必意识到含义，但事后审视时，意义自然浮现。谈到摄影美学，蔡政旻认为影像中的美有两种层次，即形式原理和视觉平衡。形式原理包括渐变、重复、律动、对称等构成法则；视觉平衡则是画面的稳定和符号意象的安排。 “构图不是随意的，它必须有秩序、逻辑和节奏。”他举例自己在卢浮宫的玻璃金字塔拍摄的照片，通过角度变化形成箭头意象；又如梵蒂冈修女照中，右下角的人物成为画龙点睛的元素，令画面充满寓意。他强调，美学不仅仅是好看，而是让画面自成逻辑、能被观者理解。“美感的训练必须通过观察和等待，摄影师要学会如何在杂乱中捕捉秩序。” 在长期教学和创作的累积中，蔡政旻总结出10个影像赏析的重要元素，包括掌握构图与镜头运用、内容的审美特性、影像叙述的视觉语言、光影构成的讯息传递、静态影像形塑动态感、摄影媒材的特性应用、系列影像的文本阐释、经典摄影创作的引用、影像文本的多义性解读和个人风格的独特性形成。影像赏析不仅是摄影理论课，更是一门表达课。学生必须以自己的理解阐述作品，从描述到分析，再到诠释。“我让他们用口头表达来思考影像，这过程帮助他们把感受内化成思考，再转化为表达。” 若学生仅描述照片“好看”，那只是表层的主观感受；而影像赏析应具备结构性思维。“我会请学生挑一个角度去分析静态影像如何形塑动态感、影像中是否存在二元对立，这些问题能训练学生思考。”这种训练让他们学会将感受转化为语言，并逐步形成个人风格。“当学生能讲出作品背后的思考，他就不只是拍照的人，而是懂得观赏和思考影像的人。” 多拍就对了谈到年轻人如何找到自己的摄影风格，蔡政旻鼓励他们不断练习拍照。“你可以找到一个你喜欢的题材持续拍它，先不要考虑商业性或艺术性。比如你喜欢拍‘门’，那就拍各种各样的门，拍一万张、两万张都行，从中挑出最好的。”他笑说，很多学生遇到瓶颈时会说拍不出好照片，但他认为那是拍得不够多。他表示，当历练越久，摄影师会拍得更少但也更精准。“相机只是工具，真正锻炼的是大脑。当你拍到十万张照片后，即使闭着眼，也能感受到光圈和快门的位置。” “摄影无法无中生有，它必须照单全收。”这是蔡政旻的影像观。他认为，无论是照片或录像，影像都只是当下的片段，没有连续性。他喜欢在平凡的生活中发掘不平凡的视角，并把这种观察转化为影像。因此，他的作品题材广泛，可以在摄影网站里看到他拍摄各种主题的照片。他引用了罗兰．巴特的观点作为总结——摄影是一种“此曾在”。“摄影最珍贵的地方在于，它只存在于当下那一刹那，只有当你亲临现场按下快门的那一刻，它才真正成立。”在他看来，影像教育的使命是引导学生培养独立思考和审美判断的能力。正如他常对学生说的：“多拍就对了，用心去感受，用镜头记录你曾经在场的那一刻。” 点击网站，看更多蔡政旻的作品。更多【教育导航】: 一场切肉比赛，推动屠宰业发展化妆品里的科学从日常培养对理科的兴趣飞机维修工程师在冲上云霄之前为安全把关

9月前

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